밴드로 오리지널 곡을 만들자! 초보자부터 시작하는 작곡·밴드 어레인지 완전 가이드

1. 왜 오리지널 곡을 만드는가—밴드의 개성과 라이브의 묘미

복사 밴드로 좋아하는 노래를 연주하는 데 큰 기쁨이 있습니다. 그러나 밴드가 어느 정도 성숙해 오면 많은 멤버들이 '자신들의 노래를 원한다'고 느끼기 시작합니다. 그 이유는 분명합니다. 오리지널 곡이 밴드의 정체성을 형성하기 때문 입니다.

카피 밴드와 오리지널 밴드의 장점과 단점 비교

카피 밴드와 오리지널 밴드에는 각각 다른 매력과 과제가 있습니다. 어느 쪽이 「올바른」이라고 하는 것은 없고, 밴드의 스테이지에 맞추어 판단하는 것이 중요합니다.

복사곡을 연주할 때 관객은 이미 그 노래를 알고 있습니다. 아무리 잘 연주해도, 평가의 기준은 「원래의 곡과의 비교」가 되기 쉽습니다. 한편, 오리지널 곡이라면 비교 대상이 없습니다. 연주의 좋고 나쁜 것 이상으로, 「이 곡의 메시지를 좋아한다」 「이 밴드의 세계관을 좋아한다」라고 하는 감정적인 연결이 태어나기 쉬워집니다.

실제로 라이브 하우스에서 가장 흥미로운 순간 중 하나는 밴드가 "다음은 우리의 오리지널 곡을 연기합니다"라고 말하는 순간입니다. 관객은 “무엇이 오는지 모르겠다”는 두근두근감을 가지고 듣고 그 곡이 찔리면 잊을 수 없는 기억이 됩니다.

밴드의 결속력이 상승

오리지널 노래를 함께 만드는 과정은 밴드의 결속을 강화하는 가장 효과적인 방법 중 하나입니다. 아이디어를 나누고, 논의하고, 양보하고, 결국 '자신들의 노래'가 완성되었을 때의 달성감은 각별합니다. 그 과정을 거친 밴드는, 단지 함께 연주하는 것만의 모임이 아니라, 「하나의 것을 만들어낸 팀」이 됩니다.

외국인 멤버와 함께 밴드를 짜는 경우, 언어의 벽을 넘어 음악으로 의사소통하는 체험이 보다 깊어집니다. 외국인과 일본인이 밴드를 짜는 기쁨 은 오리지널 곡 제작에 의해 더욱 풍부해질 것입니다.

미래의 가능성이 확산

오리지널 곡을 가지는 것으로, 밴드는 SNS나 스트리밍 서비스에의 음원 공개, 콘테스트에의 응모, 라벨에의 데모 제출 등, 카피 밴드에는 열려 있지 않은 문을 두드릴 수 있게 됩니다. SNS로 밴드를 퍼뜨리는 방법 과 결합하면 오리지널 곡의 발신력이 현격히 높아집니다.

첫 번째 노래를 만드는 심리적 장애물은 확실히 높습니다. 그러나 완벽할 필요는 전혀 없습니다. 중요한 것은 "만들기 시작하는 것"입니다.

2. 오리지널 곡 제작의 프로세스 전체상

"작곡"이라고 들으면 특별한 재능이 필요한 것처럼 느껴질 수 있습니다. 그러나 작곡 의 본질은 소리와 리듬의 아이디어를 조합하여 형태로 해가는 작업입니다. 특별한 음악 교육을 받지 않아도 밴드로 노래를 만드는 것이 충분합니다.

우선 전체의 흐름을 파악해 둡시다. 밴드로 오리지널 곡을 완성하기까지는 크게 나누어 다음의 스텝이 있습니다.

1단계: 씨앗의 아이디어를 낸다(개인 또는 밴드 전체에서)

첫 번째 소리, 첫 번째 코드 진행, 첫 번째 멜로디 조각 - 이것이 "타네"입니다. 누군가 한 명이 기타 리프를 가져오거나 드러머가 "이런 리듬 패턴을 만들었다"고 말하는 경우도 보컬이 콧노래의 멜로디를 가져올 수도 있습니다. 밴드 모두에서 세션하면서 아이디어를 찾을 수도 있습니다.

2단계: 거친 구성 결정

씨앗이 정해지면 노래의 골격을 만듭니다. 「A멜로→B멜로→녹」이라고 하는 흐름이나, 인트로와 아웃로의 유무, 브릿지 부분의 설정등을 토론합니다. 완벽하지 않아도 좋고, "우선은 A 멜로와 녹만 만들자"라는 진행 방법이라도 상관 없습니다.

3단계: 각 파트가 정렬을 추가합니다.

골격이 정해지면 기타, 베이스, 드럼, 키보드 등 각 파트가 자신의 파트를 생각해 갑니다. 이 과정은 "밴드 배열"의 핵심입니다. 스튜디오에 들어가 모두 함께 맞추면서 만드는 것이 가장 일반적인 방법입니다. 첫 밴드 연습 기사도 참고하면서 스튜디오 시간을 효과적으로 활용합시다.

4단계: 가사 붙이기(또는 악기 남기기)

노래의 이미지가 굳어지면 가사를 태울 수 있습니다. 가사처(사선)로 진행하는 경우는 먼저 가사를 쓴 후 멜로디를 생각합니다. 곡선에서 진행하는 경우는 가가사("라라라라" 등)를 붙여 멜로디를 확정시킨 다음 프로덕션 가사를 씁니다.

5단계: 데모 음원 녹음

어느 정도 형태가 되면, 스마트폰이나 DTM 소프트를 사용해 데모 음원을 녹음합니다. 데모는 「완성품」이 아니어도 상관없습니다. 밴드 멤버간에 이미지를 공유하고 다음 연습에 활용하기 위한 것입니다.

6단계: 닦고 완성

데모를 들으면서 개선점을 찾고, 스튜디오 리허설에서 시도하고 다시 녹음합니다. 「완성」의 기준은 밴드에 따라서 다릅니다만, 「라이브로 연주할 수 있는 상태」를 하나의 목표로 하면 좋을 것입니다.

이 과정에 필요한 멤버가 갖추어지지 않은 경우, Membo의 모집 게시판 에서 함께 노래를 만드는 멤버를 찾는 것도 하나의 옵션입니다.

3. 아이디어 내는 방법——코드·리프·멜로디·가사, 어디서부터 시작해도 OK

작곡에 "올바른 시작 방법"은 없습니다. 위대한 노래도 처음에는 작은 아이디어의 조각에서 태어납니다. 여기에서는 대표적인 네 가지 접근법을 소개합니다.

접근법 A: 코드 진행으로 시작

가장 인기있는 접근법 중 하나는 먼저 코드 진행을 결정하는 것입니다. 코드 진행 이란, 복수의 코드(화음)를 시간축에 따라 늘어놓은 것입니다. J팝이나 락에서 자주 사용되는 코드 진행을 기억해 두면, 작곡의 출발점으로서 활용하기 쉬워집니다.

J팝에서 자주 발생하는 코드 진행을 기억하면 작곡의 출발점으로 매우 유용합니다. 다음의 대표적인 진행은 초보자라도 바로 사용할 수 있는 것뿐입니다.

코드 진행이 결정되면 거기에 멜로디를 올려 놓습니다. 코드의 구성음을 추적하는 것만으로도 그런 멜로디가 되고, 경과음이나 도약을 더하는 것으로 표정 풍부한 멜로디가 됩니다. 좋아하는 곡을 연주해 보고 "이 코드 진행이 기분 좋다"고 느끼는 조합을 찾으면서 자신의 사운드를 찾아 갑시다.

접근법 B: 기타 리프와 기준선으로 시작

“이 리프가 멋지다”——그런 작은 발견이 곡의 핵심이 되는 경우가 많습니다. 특히 하드락이나 펑크에서는 인상적인 리프나 그루브가 있는 기준선이 곡 전체의 엔진이 됩니다.

리프를 만드는 요령은, 「반복해도 질리지 않는다」또 「귀에 남는다」입니다. 2~4마디의 프레이즈를 반복시켜 보고, 몇번 들려도 기분 좋다고 느끼면, 그 리프에는 가능성이 있습니다. 밴드의 기타리스트와 베이시스트가 개인 연습 중에 생각해 낸 문구를 녹음하는 것을 강력히 추천합니다.

어프로치 C: 멜로디로 시작한다(코가 작곡)

문득 어리석은 멜로디가 곡의 기점이 되는 경우도 많습니다. 보컬이나 기타리스트가 「이런 멜로디가 떠올랐다」라고 말해 스마트폰의 음성 메모에 녹음해 두는 것만으로, 그것이 나중에 명곡의 씨가 될지도 모릅니다.

멜로디 선행의 경우는, 그 멜로디에 맞는 코드를 나중에 적용해 갑니다. 「이 멜로디에는 C가 맞는다」 「여기는 Am이 감정적으로 된다」라고 하는 것처럼, 코드를 시행착오하면서 하모니를 찾아 갑니다. 음악 이론 의 기초를 알아두면 이 작업이 원활해집니다.

접근법 D: 가사로 시작하기(사선)

「전하고 싶은 것이 있다」 「이 감정을 곡으로 하고 싶다」라고 하는 강한 동기가 있는 경우는, 먼저 가사를 써 버리는 방법(사선)이 유효합니다. 말의 리듬과 억양이 자연스럽게 멜로디를 만들어 낼 수 있기 때문입니다.

가사를 할 때는 가사를 소리 내어 읽어보고 그 자연스러운 독서 리듬과 억양을 그대로 멜로디로 전환해 봅시다. 일본어는 음절이 분명하기 때문에 어감을 살린 멜로디가 만들기 쉽다는 특징이 있습니다.

접근법 E: 드럼 패턴 리듬으로 시작

드러머가 「이런 그루브를 만들고 싶다」라고 먼저 비트를 제시하는 것으로, 밴드 전체가 그 리듬 위에 타는 방법도 있습니다. 특히 펑크·힙합·레게 등 리듬이 주역의 음악 장르에서는 유효한 어프로치입니다. 드러머가 주체적으로 곡 만들기에 참가하는 것으로, 밴드 전체의 일체감도 높아집니다.

세션 방식: 모든 사람이 즉흥 연주하기

밴드 전원으로 스튜디오에 들어가, 누군가가 코드나 리프를 연주하기 시작해, 다른 멤버가 그 자리에서 맞추어 간다——이른바 「잼(잼 세션)」으로부터 곡을 낳는 방법입니다. 녹음하면서 세션을 하고 나중에 "그 문구가 좋았다"고 되돌아보면, 뜻밖의 곡의 씨앗을 찾을 수 있습니다. 밴드 연습을 최대한 활용하는 방법 을 참고로 다음 스튜디오 시간을 세션 형식 작곡에 충당해 보는 것은 어떻습니까?

어떤 접근법이 정답인지는 사람마다 다릅니다. 「코드 진행이 앞쪽이 안심감이 있다」라고 하는 사람도 있으면, 「멜로디가 떠오르고 나서 이론으로 정리한다」라고 하는 사람도 있습니다. 자신에게 가장 자연스러운 접근법을 찾는 동안 진행하십시오.

4. 밴드로 어레인지하는 흐름—파트별 역할과 스튜디오 리허설 활용법

개인이 만든 시위와 콧노래 수준의 아이디어를 밴드 사운드로 연마하는 과정이 "어레인지"입니다. 여기에서는 파트 별 역할과 스튜디오에서의 작업 진행 방법을 구체적으로 설명합니다.

밴드 배열에서 파트별 역할

기타: 골격과 색채를 담당

기타리스트의 역할은 다양합니다. 코드를 스트로크하여 곡의 골격을 만드는 '코드워크', 녹의 인상적인 프레이즈를 물들이는 '오브리가트', 곡의 시작을 돋보이게 하는 '인트로리프', 게다가 간주에서의 '기타 솔로'—— 이들을 적절히 배치하면 곡에 입체감과 움직임이 탄생합니다.

기타가 2개 있는 밴드의 경우는, 리듬 기타와 리드 기타를 나누어 생각하면 정리하기 쉬워집니다. 리듬 기타가 코드를 지원하고 리드 기타가 멜로디어스한 프레이즈를 태우는 것으로, 소리의 겹침에 깊이가 나옵니다.

기초: 그루브와 베이스의 기초

베이스는 드럼과 함께 밴드의 리듬대의 요점입니다. 단순히 코드의 루트음을 연주하는 것만으로도 기능하지만, 기타나 드럼과 얽히는 라인을 만들어 곡의 그루브가 현격히 향상됩니다. 베이시스트가 주체적으로 어레인지에 참여할 수 있는 환경을 만드는 것이 중요합니다. 베이시스트를 찾을 때의 포인트 도 참고로 음악적인 화학 반응을 만들 수있는 상대를 선택합시다.

드럼: 전체 역학 제어

드럼은 단지 리듬을 유지할 뿐만 아니라 '곡의 분위기, 평온함, 전환점'을 연출하는 중요한 역할을 담당하고 있습니다. A 멜로로 하이햇을 새기고 B 멜로로 라이드로 바꾸는, 녹 전에 필을 넣는, 간주로 크래시 심벌즈를 강조하는 등, 동적인 표현이 밴드 사운드의 표정을 풍부하게 합니다. 드러머와의 제휴 를 소중히 한 어레인지를 유의합시다.

키보드 신디 : 사운드의 깊이를 연출

키보드는 음역이나 음색의 바리에이션이 풍부해, 스트링스로 오케스트라적인 퍼짐을 만들거나, 패드 사운드로 환상적인 분위기를 내거나 할 수 있습니다. 곡에 존재감을 더하고 싶은 부분에 키보드를 넣는 것으로, 보다 완성도가 높은 사운드가 됩니다. 키보디스트와의 공동 작업 에 대해서도 꼭 참고해 주세요.

보컬 : 감정과 단어 전달

보컬리스트는 음악의 "얼굴"입니다. 멜로디를 정확하게 노래할 뿐만 아니라, 브레스의 사용법, 비브라토, 팔셋과 가슴 보이스의 전환 등, 표현의 선택에 의해 곡의 인상이 크게 바뀝니다. 보컬 라인은 작곡자와 함께 조밀하게 채워 가는 것으로, 밴드 전체의 방향성과 일치한 딜리버리가 탄생합니다.

스튜디오에서 작업을 진행하는 방법

사전 준비가 열쇠

스튜디오에 들어가기 전에 작곡자(또는 아이디어를 가져온 사람)가 스마트폰으로 데모를 녹음해 두면 밴드 전원의 이미지 공유가 원활해집니다. 「이런 느낌의 곡입니다」라고 들려주는 것만으로, 멤버 각각이 「자신의 파트는 이렇게 하자」라고 생각하기 시작합니다.

먼저 통과하여 맞춰 보자.

첫 스튜디오 연습에서는 세부 사항을 고집하지 않고 전체 흐름을 확인하는 것이 우선합니다. 「A멜로는 이 코드 진행으로, 녹은 여기에 와, 간주는 이 길이」라는 골격을 전원으로 체험하는 것이 중요합니다. 스튜디오를 잘 사용하는 방법 도 참고로 제한된 시간을 유효 활용합시다.

부품별로 연마

전체상을 파악하면, 다음은 파트마다 세세한 어레인지를 채웁니다. 「베이스는 여기서 이런 프레이즈를 연주해 주었으면 한다」 「기타의 인트로리프를 좀 더 짧게 하고 싶다」라고 하는 구체적인 요구를 나누고, 시행착오합니다.

녹음하면서 작업하기

스튜디오 연습중에도 반드시 스마트폰으로 녹음해 두는 것을 강하게 추천합니다. 「아까의 프레이즈가 좋았다」라고 하는 순간은 다시 재현할 수 없는 일이 있습니다. 녹음을 듣는 것으로, 자신들이 알아차리지 않았던 개선점이나, 의외의 장점도 발견할 수 있습니다.

구성표 만들기

어느 정도 어레인지가 굳어지면 곡의 구성표(코드표)를 만들어 봅시다. 「인트로(4마디)→A멜로(8마디)→B멜로(4마디)→녹(8마디)→반복→아웃로」라고 하는 형태로 정리하면, 전원이 같은 인식으로 연습할 수 있습니다. 필기 메모 또는 Google 문서도 괜찮습니다.

5. 가사를 쓰는 방법 - 테마 결정에서 멜로디에 태우는 방법까지

가사를 쓰는 데 어려움을 느끼는 사람은 많습니다. "시적인 표현을 할 수 없다" "무엇을 쓰면 좋을지 모르겠다"는 불안은 많은 작사 초보자가 경험합니다. 그러나 작사 에 필요한 것은 문학적 재능보다 '전하고 싶은 것의 명확성'입니다.

테마 결정

우선 「이 곡으로 무엇을 전하고 싶은가」를 명확하게 합시다. 테마는 웅장 할 필요는 없습니다. '실연한 밤의 기분', '연습이 보상된 순간', '좋아하는 사람을 만날 수 없는 거리감' - 친밀한 감정과 체험을 테마로 하는 것으로, 가사는 보다 설득력이 있습니다.

테마 선택의 요령은 「구체적인 것」입니다. 「사랑에 대해」라는 테마는 너무 넓어서 말이 나오기 어렵습니다만, 「헤어진 후의 기차 안에서 생각한 것」이라고 하는 구체적인 씬이 있으면, 말은 자연스럽게 흘러나옵니다.

단어 모으기——브레인스토밍

테마가 정해지면 그 테마와 관련된 단어를 점점 더 써 봅시다. 퀄리티는 신경 쓰지 않고 생각한 단어를 모두 종이와 메모 앱에 내보냅니다. 이 단계에서 "이 단어를 사용할 수 없다"고 판단 할 필요가 없습니다.

모은 말 중에서, 울림을 좋아하는 것, 감정이 담겨 있는 것, 곡의 이미지에 맞는 것을 골라내어, 재정렬하거나 조합해 가사의 골격을 만듭니다.

멜로디에 태우는 방법

가사를 멜로디에 올릴 때 가장 큰 과제는 "음절 수와 멜로디의 음표 수를 맞추는 것"입니다. 일본어는 한 문자 한 음절이 기본이므로 멜로디의 음표 수에 맞게 단어의 글자수를 조정합니다.

예를 들어, 네 음표의 멜로디에는 "카 · 에 · 리 · 미치" (4 음절)가 맞습니다. 「집에 돌아간다」(6음절)에서는 음수가 맞지 않기 때문에, 「돌아가는 길」(4음절)로 바꾸는 등의 조정이 필요합니다.

일본어의 경우 악센트도 중요합니다. 평소의 말과 반대의 악센트로 멜로디가 붙으면 가사가 듣기 어려워집니다. 실제로 소리내어 노래해 보고, 「말하기 쉬운지」 「자연스럽게 들릴지」를 확인하면서 조정합시다.

녹의 가사는 특히 중요

녹은 노래의 클라이맥스입니다. 여기에 가장 인상적인 문구, 가장 전하고 싶은 말을 넣자. 「타이틀과 같은 말이 녹에 나온다」라는 구성은, 곡의 완성도를 높이는 정평의 방법의 하나입니다. 녹의 가사가 정해지면, A멜로·B멜로의 방향성도 보이기 쉬워집니다.

영어사나 다언어 가사에 도전하기

외국인 멤버가 있는 밴드나, 보다 넓은 청중에게 리치하고 싶은 밴드는, 영어사나 다언어의 가사에 도전하는 것도 선택사항의 하나입니다. 일본어와 영어를 섞은 가사는 팝 음악에서도 일반적으로 되어 있습니다. 외국인 멤버와 함께 가사를 만들면 뜻밖의 언어적인 화학반응이 생길 수 있습니다. Membo에서 멤버를 찾을 때 '함께 가사를 쓸 수 있는 외국인 보컬리스트'를 조건으로 들으면 보다 이상적인 파트너를 만날 수 있을지도 모릅니다.

가사 브러쉬업

처음 쓴 가사가 완성판일 필요는 없습니다. 여러 번 다시 쓰고 소리 내어 노래하고 멤버에게 들려주고 피드백을 받아 조금씩 닦아가는 것이 중요합니다. 「이 말은 전해지기 어려운가」 「여기의 표현이 진부하게 들린다」라는 주의를 소중히 합시다. 시간을 두고 다시 읽으면 객관적으로 평가할 수 있는 경우도 많습니다.

6. 녹음 · 데모 음원을 만드는 방법 - 스마트 폰 녹음에서 DTM까지

노래의 배열이 굳어지면 데모 음원을 만들어 봅시다. 데모 음원에는 몇 가지 중요한 역할이 있습니다. 먼저 밴드 멤버 간의 이미지 공유 도구로, 연습의 되돌아보기 도구로, 그리고 향후 레코딩과 라이브 활동을 위한 참고 음원으로 기능합니다.

레벨 1: 스마트폰 녹음(가장 간편)

첫 데모 녹음에 필요한 것은 스마트폰 한 대뿐입니다. 스튜디오에서 밴드 연습 중에 스마트 폰의 표준 음성 녹음기 앱을 사용하여 전체 사운드를 녹음하는 것만으로 충분한 참고 음원을 얻을 수 있습니다.

스마트 폰 녹음의 요령은 마이크를 앰프와 드럼에서 조금 떨어진 곳 (방 중앙 근처)에 두는 것입니다. 너무 가까우면 특정 악기만이 크게 녹아 버립니다. 무료로도 충분한 음질을 얻을 수 있습니다만, iPhone용의 「GarageBand」와 같은 앱을 사용하면, 한층 더 퀄리티를 올릴 수 있습니다.

레벨 2: DAW(디지털 오디오 워크스테이션) 사용

보다 본격적인 데모를 만들고 싶다면 DAW 소프트웨어를 사용한 녹음이 유효합니다. DTM(데스크탑 뮤직) 의 환경을 정돈하여 파트별로 개별 녹음하고 겹칠 수 있습니다.

초보자가 먼저 시험해야 할 무료 DAW로 다음을 추천합니다.

GarageBand(Apple 제품 전용・무료)
Mac과 iPhone에 표준으로 탑재된 GarageBand 는 직관적인 인터페이스와 고품질의 음원을 갖춘 초보자용 DAW입니다. 드럼 트랙, 기타 앰프 시뮬레이터, 피아노 등 밴드 데모를 만들기위한 소재가 갖추어져 있습니다.

Audacity(Windows·Mac·Linux 대응·무료)
Audacity 는 오랫동안 전세계에서 사용되는 무료 음성 편집 및 녹음 소프트웨어입니다. 멀티 트랙 녹음이나 파형 편집, 이펙트 처리 등 데모 제작에 필요한 기능이 갖추어져 있습니다.

녹음 환경 정돈

스튜디오에서 밴드 한 장 녹음으로 데모를 만들 때 장비 배치가 중요합니다. 드럼을 중심으로 앰프의 방향과 거리에 주의하여 마이크를 설치합시다. 최근에는 합리적인 오디오 인터페이스도 많이 판매되고 있으며, Android 스마트 폰에도 대응하고있는 모델이 있습니다.

본격적인 스튜디오 레코딩에 대해서는, 최초의 레코딩 완전 가이드 도 맞추어 참조해 주세요. 데모 단계부터 녹음 경험을 쌓아두면 프로덕션 녹음이 원활해집니다.

데모를 활용하여 노래를 키우기

녹음한 데모는 반드시 밴드 멤버 전원으로 들어 봅시다. 되돌아 보면 "여기의베이스 라인을 좀 더 움직이는 것이 좋다" "드럼의 필이 녹에 너무 많다"등 스튜디오 내에서는 눈치 채지 못한 개선점이 보입니다.

특히 자신의 부분을 객관적으로 듣는 것이 매우 중요합니다. 연주 중에는 자신의 소리에 집중하기 쉽지만, 녹음을 듣는 것으로 "밴드 사운드 속에서 자신의 파트가 어떻게 들리는지"를 알 수 있습니다. 이 반복이 어레인지의 정밀도를 높여 갑니다.

7. 저작권·밴드내 크레딧의 취급방법

오리지널 곡을 만들면 저작권에 대해 이해하는 것이 중요합니다. 음악의 저작권은 노래를 '만든 순간'에서 자동으로 발생합니다. 특별한 절차는 필요하지 않습니다.

음악 저작권의 기본

음악의 저작권은 크게 두 가지로 나뉩니다. 「저작권(원반권 제외)」 은 작사자・작곡자에게 귀속해, 악곡의 이용에 대한 로얄티(사용료)를 받을 권리입니다. 「원반권(레코드 제작자의 권리)」 은 녹음된 음원의 제작에 관련된 권리입니다.

일본에서 가장 큰 음악 저작권 관리 단체는 JASRAC(일반 사단법인 일본 음악 저작권 협회) 입니다. 프로로서 음악 활동을 실시해, 악곡이 상업적으로 이용되는 단계가 되면, JASRAC에의 등록을 검토하게 됩니다. 다만, 인디로서 활동하면서 스스로 저작권을 관리하는 것도 가능합니다.

밴드 내 신용 표기

밴드에서 오리지널 곡을 만들 때 가장 트러블이 되기 쉬운 것이, 「누가 어떤 곡의 작자인가」라는 크레디트 문제입니다. 나중에 "이 곡은 A멜로를 내가 만들었다" "녹은 내가 가져온 리프에서 발전했다"는 논란이 일어나지 않도록 곡을 만들기 시작한 단계에서 규칙을 결정해 두는 것이 좋습니다.

일반적인 신용 표기법의 패턴은 다음과 같습니다.

패턴 1: 단독 작사·작곡자를 명기
아이디어의 대부분을 한 사람이 반입했을 경우, 「작사・작곡：○○」라고 명기합니다. 이것이 가장 간단하고 분쟁이 일어나기 어렵습니다.

패턴 2: 공동작사·작곡
복수의 멤버가 대등하게 아이디어를 나눈 경우, 「작사・작곡：밴드명」또는 「작사：○○, 작곡：△△」와 같이 전원의 이름을 기재합니다.

패턴 3: 비율로 나누기
누가 얼마나 공헌했는지를 비율로 결정하는 방법도 있습니다 (예: "작사 60%: ○○, 작곡 40%: △△"). 그러나 이 방법은 나중에 비비기 쉽기 때문에 멤버 간 신뢰 관계가 확실한 경우에만 유효합니다.

밴드 활동 초기는 간단하게

활동 초기는, 「밴드 전체에서의 크레딧」이라고 하는 것도 하나의 선택사항입니다. 「밴드로서의 작품」이라는 의식을 가지는 것으로, 개인의 이해보다 「좋은 곡을 만들자」라고 하는 공동 제작의 정신이 자랍니다. 밴드가 상업적 활동을 시작하는 단계가 되면 다시 크레디트나 저작권의 취급을 전문가(음악 사무소의 매니저나 음악 변호사 등)에게 상담하는 것을 추천합니다.

JASRAC의 공식 사이트에서는 악곡의 녹음물 제작에 관한 권리 처리의 순서도 상세히 설명하고 있습니다. 장래에 CD나 디지털 전송을 할 때의 참고로 해 주세요.

카피 밴드와의 차이

카피 곡을 연주하는 경우, 라이브 회장이 저작권의 관리(라이브 하우스는 JASRAC와 포괄 계약을 맺고 있는 것이 대부분)을 해 주고 있으므로, 밴드가 개별적으로 허가를 취할 필요는 없습니다. 그러나 오리지널 곡을 YouTube나 SNS에 투고할 때, 타인의 저작물(사진, 영상, BGM)을 무단 사용하지 않도록 주의가 필요합니다. 자신의 오리지널 곡이라면 저작권은 자신들에게 있으므로 자유롭게 공개할 수 있습니다.

8. 오리지널 곡을 계속 늘리는 습관

첫 번째 곡을 완성하는 것은 큰 성취입니다. 그러나 밴드로 오랫동안 계속하기 위해서는 지속적으로 새로운 노래를 계속 만드는 메커니즘이 필요합니다. 여기에서는 곡 만들기의 습관화에 도움이 되는 사고방식과 구체적인 방법을 소개합니다.

아이디어를 항상 재고

「좋은 아이디어가 떠올랐을 때만 작곡한다」에서는, 좀처럼 곡수는 증가하지 않습니다. 매일 아이디어를 재고하는 메커니즘을 만드는 것이 중요합니다. 스마트폰의 음성 레코더에 콧노래를 녹음하고, 생각한 코드 진행을 곧바로 스케치하는, 감정이 움직일 때 말을 메모한다——이것을 습관화하는 것만으로 아이디어의 스톡이 모여 갑니다.

"이 리프, 좋지 않을지도 모른다"라는 자기 검열은 필요하지 않습니다. 녹음하고 나중에 다시 들으면 판단할 수 있습니다. 우선은 녹음하는 버릇을 붙입니다.

정기적인 「작곡 세션」의 시간을 마련한다

통상의 밴드 연습과는 별도로, 「오늘은 오리지날을 만드는 날」이라고 정한 세션 시간을 마련하는 것이 효과적입니다. 카피의 완성도를 올리는 것도 중요합니다만, 일주일에 한번이라도 한 시간이라도, 작곡에 특화한 시간을 만드는 것으로 곡 만들기가 전진합니다.

스튜디오 예약을 일정한 사이클로 넣는 것으로, 「이 날은 오리지널을 만든다」라는 의식이 밴드 전체에 정착해 갑니다. 스튜디오를 효과적으로 사용하는 방법 도 참고로 작곡 세션 전용 스튜디오 시간을 확보합시다.

장애물 낮추기: 완벽주의를 버리다

"완벽한 곡이 아니면 세상에 낼 수 없다"는 생각은 창작 활동의 가장 큰 적입니다. 곡은 내고 보고 처음으로 청중의 반응을 알 수 있습니다. 초기의 오리지널 곡이 미완성이라도, 밴드의 성장의 일부입니다. 「한곡째는 B면 수록으로 좋다」정도의 기분으로 시작하는 것이, 계속의 비결입니다.

라이브로 연주하면 노래가 더욱 커집니다. 손님 앞에서 연주할 때마다 새로운 발견이 있어, 「여기는 더 이러하다」라는 개선 의욕이 솟아옵니다. 일찍 라이브로 오리지널을 선보이는 것을 두려워하지 마십시오.

외부 자극을 도입

자신의 내부만을 보면 아이디어가 고갈될 수 있습니다. 다른 밴드의 라이브를 보는, 새로운 장르의 음악을 듣고, 영화나 책으로부터 감정적인 자극을 받는다——이런 외부로부터의 인풋이, 뜻밖의 작곡의 힌트가 됩니다.

밴드 멤버 각각이 '이번 주 듣고 자극받은 음악'을 공유하는 '음악 공유' 습관을 가지는 것도 효과적입니다. 취미가 다른 멤버끼리 서로의 취향을 알면 밴드 사운드의 폭도 넓어집니다.

회원을 늘려 화학 반응을 일으

'동일한 멤버로 같은 스튜디오에 계속 들어가고 있지만 아이디어가 매너리화하고 있다'는 경우 새 멤버의 가입이 돌파구가 될 수 있습니다. 작곡 센스가 있는 신 멤버가 더해져, 밴드의 사운드가 단번에 퍼진 예는 많이 있습니다.

Membo 에서는 밴드의 오리지널 제작에 참가하고 싶은 멤버를 모집할 수 있습니다. 「오리지널 곡 제작에 적극적인 멤버 희망」이라는 조건으로 모집 일람 을 바라보면, 같은 뜻을 가진 뮤지션이 발견될지도 모릅니다. 외국인 멤버와 함께 하면 가사나 음악 스타일에 지금까지 없었던 신선한 시점이 생길 가능성도 있습니다.

「완성」을 정의해 둔다

밴드에서 '곡 완성' 기준을 공유하는 것도 중요합니다. 「라이브로 3회 연주하면 완성」 「데모 음원을 멤버 전원이 합격이라고 하면 완성」등, 기준을 정해 두는 것으로, 언제까지나 「더 좋아질지도」라고 루프하는 것을 막습니다.

SNS로 오리지널 발신

완성된 오리지널 곡은 적극적으로 SNS로 발신합시다. 곡의 일부를 쇼트 동영상으로 한다, 가사의 단편을 이미지 투고하는, 「신곡 제작중」이라고 하는 진척을 쉐어한다——이런 발신이 쌓이면, 팔로워가 밴드의 성장을 기대해 줍니다. 밴드의 SNS 활용술을 참고로 오리지널 곡의 발신력을 높여보세요.

또한 밴드의 SNS 계정으로 '오리지널 곡 제작 과정'을 다큐멘터리적으로 발신하는 것도 팬 획득의 효과적인 수단입니다. 스튜디오에서 곡을 만들고 있는 모습, 가사를 쓰고 있는 장면, 시위를 듣고 토론하는 장면--청취자는 그런 '무대 뒤'에 강한 관심을 갖습니다.

밴드에서 노래를 계속 만드는 데 필요한 멤버를 찾으십시오.

오리지널 곡 제작을 계속하기 위해서는 멤버의 열량과 안정된 밴드 체제가 필수적입니다. 만약 드러머가 빠져 버린 기타리스트를 찾을 수 없다는 상황이라면 일찍 멤버를 보충하는 것이 작곡 활동의 계속으로 이어집니다.

베이시스트 드러머를 찾을 수 없을 때를 찾는 방법 , 보컬을 찾을 수 없을 때를 찾는 방법 , 기타리스트를 찾을 수 없을 때를 찾는 방법 등의 기사도 함께 보세요. Membo에의 모집 투고 는 무료로 실시할 수 있으므로, 우선은 시험해 봅시다.

9. 실제 밴드의 오리지널 곡 제작 - 숫자와 체험담

아마추어 밴드의 오리지널 곡 제작의 실태

일본의 아마추어 밴드 활동에 있어서의 실태를 파악하는 단서로서, 음악 스튜디오나 라이브 하우스의 이용 경향이 있습니다. 일반 사단법인 일본 음악 스튜디오 협회의 조사에서는, 정기적으로 스튜디오를 이용하는 밴드의 약 40~50%가 「오리지널 곡의 제작·연습」을 주된 목적으로 들고 있다고 되어 있습니다. 또한 밴드 활동력이 2~3년을 넘으면 복사곡 중심에서 오리지널 중심으로 이행하는 밴드가 늘어나는 경향이 있습니다.

음악 스트리밍 서비스의 보급으로 아마추어 밴드가 오리지널 곡을 발표하는 장소는 크게 퍼졌습니다. Spotify나 Apple Music 등에의 악곡 등록은 DistroKid나 TuneCore를 통해 수천엔 정도부터 가능합니다. 이러한 저비용의 발표 수단의 정비가 오리지널 곡 제작에 내딛는 밴드를 늘리고 있다고 합니다.

작곡 경험 0부터 1곡을 완성시킨 밴드의 목소리

실제로 오리지널 곡을 만든 밴드가 말하는 체험담에는 많은 공통점이 있습니다.

“첫 곡은 코드 4개 밖에 사용하지 않았고, 구성도 A멜로와 녹밖에 없었습니다. 하지만 스스로 만들었다는 것만으로, 연주할 때마다 특별한 기분이 될 수 있습니다.

“드러머의 내가 리듬 패턴을 녹음하고 LINE에서 보낸 것이 시작이었습니다. 기타리스트가 멜로디를 붙이고, 보컬이 가사를 쓰고—— 눈치채면 곡이 되어 있었습니다.

「스튜디오에서 『이런 리프 어때?』라고 연주한 것이 그대로 곡이 되었습니다. 형식 바른 것은 아무것도 하고 있지 않습니다. 하지만 그 라이브로 제일 손님이 고조된 것이 그 오리지널 곡이었습니다」(카피 밴드에서 오리지널로 전환한 6명 밴드)

공통된 것은 "완벽을 목표로하지 않고 시작했다"는 점입니다. 첫 번째 곡은 "연습을 위한 연습"이며, 거기에서 배우고 다음 곡으로 연결됩니다. Membo에는 함께 오리지널 곡을 만들고 싶은 멤버를 모집하고 있는 밴드나 개인이 많이 등록하고 있습니다. 모집 목록 에서 같은 목표를 가진 동료를 찾아 봅시다.

10. 결론 -- 첫 곡을 만드는 것이 모든 시작

밴드에서 오리지널 곡을 만드는 것은 음악 활동 중에서도 특별한 경험입니다. 코드를 하나 결정하는 것으로 시작되어, 멤버 전원으로 어레인지를 쌓아, 가사를 깎아, 녹음해 듣고 돌아——그 모든 과정이 밴드의 유대를 깊게 해, 음악가로서의 성장에 연결됩니다.

이 기사에서 소개한 포인트를 정리합니다.

아이디어 발행 에 대해서는, 코드 진행·리프·멜로디·가사·리듬-—어디부터 시작해도 상관없습니다. 중요한 것은 "처음 시작하는 것"입니다. 생각해 낸 아이디어는 곧 스마트 폰으로 녹음하는 습관을 갖자.

밴드 어레인지 에 대해서는, 각 파트의 역할을 이해해, 스튜디오에서 시행착오하면서 전체의 사운드를 만들어 봅시다. 녹음하면서 작업함으로써 밖에서 들리는 자신들의 소리를 객관적으로 평가할 수 있습니다.

가사 에 대해서는, 「전하고 싶은 것」을 구체적으로 좁히는 것이 열쇠입니다. 사선에서도 곡선에서도 자신에게 맞는 접근법으로 쓰기 시작하는 것이 중요합니다. 목소리를 내고 노래해보고 멜로디에 타는 법을 확인하면서 닦아 갑시다.

녹음·데모 에 대해서는, 스마트폰 한대로 시작할 수 있습니다. GarageBand나 Audacity를 사용하면 무료로 멀티 트랙 녹음도 가능합니다. 데모를 반복해서 듣고 개선점을 찾는 것이 노래의 퀄리티를 높이는 지름길입니다.

저작권에 대해서는 노래가 만든 순간부터 저작권이 발생합니다. 밴드내에서의 크레디트 표기의 룰을 빨리 결정해 두는 것으로, 나중의 트러블을 막습니다.

연속 에 대해서는 완벽주의를 버리고 일찍 라이브로 연주하는 것이 가장 큰 학습이 됩니다. 정기적인 「작곡 세션」을 마련해, 일상적으로 아이디어를 스톡으로 하는 습관을 가지십시오.

밴드로서의 진정한 여행은 오리지널 곡을 가진 순간부터 시작됩니다. 카피 밴드로서 길러 온 모든 경험이, 오리지날 곡 제작의 토대가 됩니다. '아직 준비가 되어 있지 않다'는 느낌은 이해할 수 있지만 실제로는 '만들기 시작하는 것'이 최고의 준비입니다.

함께 노래를 만들고 싶은 멤버가 아직 갖추어지지 않은 경우 Membo 에서 친구를 찾아보십시오. 모집 일람 에는 오리지널 곡 제작에 관심이 있는 다양한 악기의 플레이어가 참가하고 있습니다. 회원 모집을 게시하는 것은 간단합니다. 앱으로도 사용할 수 있으므로 Membo를 앱으로 도입 하면 언제든지 멤버를 찾을 수 있습니다. 오리지널 곡 제작의 여행을 Membo에서 함께 시작하세요.

또, 멤버 모집을 시작하기 전에, 자기 PR의 작성 방법도 확인해 둡시다. 밴드 가입 희망시의 자기 PR문의 작성 방법 은, 모집하는 측에 있어서도, 어떤 정보를 요구하고 있는지를 이해하는데 있어서 참고가 됩니다.