커버곡 밴드로 실력을 쌓았다면, 이제는 오리지널 곡에 도전하고 싶어질 것이다.
좋아하는 밴드의 곡을 재현하는 즐거움은 특별하지만, "자신들만의 음악"을 내고 싶다는 욕구는 밴드를 계속하다 보면 자연스럽게 생긴다. 실제로 커버곡 밴드의 시작 방법을 거쳐 실력이 올라간 멤버들이 다음으로 목표하는 것은 오리지널 곡으로 하는 라이브다.
하지만 "작곡이라는 걸 해본 적이 없다" "음악 이론을 모른다"는 불안감으로 첫 발을 내딛지 못하는 사람이 많다. 이 글에서는 작곡 경험이 전혀 없는 밴드도 실천할 수 있는 오리지널 곡의 만드는 방법을 접근법 선택부터 밴드 어레인지, 데모 음원 공유 방법까지 구체적으로 설명한다.
오리지널 곡을 만드는 3가지 접근법
작곡에는 크게 3가지 접근법이 있다. 어느 것이 정답인 것은 아니며, 멤버의 장점이나 밴드의 스타일에 맞춰 선택하면 된다.
| 접근법 | 개요 | 어울리는 밴드 | 난이도 |
|---|---|---|---|
| 멜로디 우선 | 콧노래나 보컬의 멜로디에서 곡을 구성하는 방식 | 보컬이 작곡을 주도하는 밴드, 노래 중심의 밴드 | ★★☆☆☆ |
| 코드 우선 | 먼저 코드 진행을 정하고, 그 위에 멜로디를 얹히는 방식 | 기타리스트·키보드 연주자 중심의 밴드 | ★★★☆☆ |
| 리프·그루브 우선 | 기타 리프, 베이스라인, 드럼 패턴에서 전개하는 방식 | 록·펑크 계열, 세션에서 곡을 만드는 밴드 | ★★★★☆ |
멜로디 우선 — 노래에서 시작하는 가장 간단한 방법
스마트폰의 녹음 앱에 콧노래를 녹음하기만 하면 시작할 수 있다. 출퇴근 중이나 목욕할 때 떠오른 멜로디를 놓치지 않고 기록해 둔다. 코드나 악기 지식이 없어도 "이런 느낌의 곡을 만들고 싶다"는 이미지를 멤버들에게 전하면, 코드를 칠 수 있는 멤버가 어레인지를 해준다.
주의할 점은 콧노래만으로는 음정이 불안정해지기 쉽다는 것이다. 녹음할 때 가능하면 기타나 피아노로 간단한 반주를 해주면 멤버들에게 공유하기가 훨씬 수월해진다.
코드 우선 — 이론을 활용하는 정석 방법
뒤에서 설명할 "정석 코드 진행"을 사용해서 먼저 4~8마디의 코드 진행을 만든다. 그 위에서 탄음 가사로 멜로디를 얹힌다. J-POP이나 팝록은 이 방법으로 만들어진 곡이 많다.
코드를 알고 있는 사람이 기타나 키보드로 연주하고, 보컬이 "이런 느낌으로"라고 멜로디를 맞춰본다. 밴드 연습 진행 방법에서 설명한 섹션 연습의 요령으로, 사비만 먼저 확정한 후 A멜로·B멜로를 나중에 붙이는 것도 효과적이다.
리프·그루브 우선 — 세션에서 곡을 만드는 방식
기타 리프나 베이스라인을 시작점으로 곡을 구성하는 방법이다. Deep Purple의 "Smoke on the Water"나 The Rolling Stones의 "(I Can't Get No) Satisfaction"은 기타 리프에서 탄생한 명곡이다.
스튜디오에서 잼 세션을 하면서 "지금 리프 좋네" "여기에 이 리듬을 맞춰볼까"라며 발전시켜 나간다. 자유도가 높은 대신 수습이 어려워질 수 있으므로, 녹음해 두었다가 나중에 좋은 부분을 추출하는 방법을 추천한다.
코드 진행의 기초 지식 — 정석 5가지 패턴을 알아두자
"코드 진행을 모른다"는 사람이라도 다음의 5가지 정석 패턴을 알아두기만 하면 충분하다. J-POP, 록, 블루스의 대부분은 이런 패턴이거나 그 변형으로 되어 있다.
| 이름 | 진행 (Key=C) | 대표곡 예시 | 분위기 |
|---|---|---|---|
| 칸논 진행 | C → G → Am → Em → F → C → F → G | 파헬벨 "칸논", 클래식~팝스까지 다양함 | 아름답고 웅장함, 감동적 |
| 왕도 진행 (4536) | F → G → Em → Am | YOASOBI "밤에 달려간다", Spitz "체리" 등 다수 | 처연함과 힘의 공존 |
| 코무로 진행 | Am → F → G → C | 코무로 테츠야 프로듀스 곡, globe "DEPARTURES" | 질주감, 캐치함 |
| Just the Two of Us 진행 | FM7 → E7 → Am7 → Gm7 → C7 | Grover Washington Jr. "Just the Two of Us", 시티팝 전반 | 세련된, 도시적 |
| 블루스 12소절 | C7×4 → F7×2 → C7×2 → G7 → F7 → C7 → G7 | 블루스·록 전반, The Beatles "Birthday" | 투박함, 그루브감 |
처음에는 "왕도 진행" 또는 "칸논 진행"을 추천한다. 둘 다 멜로디를 얹히기 쉽고, 사비에 사용하면 자연스럽게 고조된다. 코드 진행 자체는 저작권이 없으므로 기존 진행을 그대로 사용해도 법적 문제가 없다.
이런 진행을 기타나 키보드로 반복 연주하면서 콧노래로 멜로디를 찾아본다. "좋다"고 생각되면 바로 녹음한다. 이런 반복이 작곡의 기본이다.
작곡에 쓸 수 있는 도구 — 무료로도 충분히 시작할 수 있다
작곡이나 데모 제작에 쓸 수 있는 도구(DAW: Digital Audio Workstation)는 무료 것부터 본격적인 유료 소프트웨어까지 다양하다. 밴드의 오리지널 곡 제작에서는 비싼 소프트웨어를 모두 갖춰야 할 필요는 없다. 먼저 무료 도구로 시작해서 필요하면 단계적으로 업그레이드하면 된다.
| 도구명 | 가격 | 대응 OS | 특징 | 추천 대상 |
|---|---|---|---|---|
| GarageBand | 무료 | Mac / iOS | Apple 제작. 직관적인 조작, 풍부한 루프 소재 | iPhone/Mac 사용자, 작곡 완전 초보자 |
| BandLab | 무료 | Web / iOS / Android | 브라우저에서 동작, 멤버와 실시간 공동 편집 가능 | OS 관계없이 사용하고 싶은 사람, 밴드 멤버와의 공유 중시 |
| Cakewalk Sonar (Free 버전) | 무료 | Windows | 구 Cakewalk by BandLab의 후속작. 무제한 트랙, 64bit 처리 대응 | Windows 사용자, 본격적으로 하고 싶은 사람 |
| Studio One Free | 무료 | Win / Mac | 트랙 수 무제한. 단, VST/AU 플러그인 미지원 | 향후 단계적 업그레이드를 염두에 두는 사람 |
| Logic Pro | 약 30,000원 | Mac | GarageBand의 상위 버전. 프로 제작 현장의 정석 | Mac에서 본격 제작을 하고 싶은 사람 |
| Cubase (Elements) | 약 13,200원 | Win / Mac | MIDI 편집이 강력함. 일본의 프로 사용률이 높음 | MIDI 입력 중심의 작곡을 하고 싶은 사람 |
밴드 작곡에서 DAW에 요구되는 것은 "데모 음원을 손쉽게 만들 수 있다"는 점이다. 최종적인 레코딩은 스튜디오에서 할 수 있어도 아이디어 단계에서는 스마트폰 하나로도 충분하다.
특히 BandLab은 멤버 전원이 브라우저에서 접속해서 공동 편집할 수 있다는 점에서 밴드의 작곡 프로세스와 잘 맞는다. "기타리스트가 리프를 녹음하고 → 베이시스트가 베이스라인을 추가 → 보컬이 멜로디를 더한다" 이런 흐름이 온라인에서 완결된다.
밴드 어레인지의 기본 — 각 파트의 역할을 이해하자
멜로디와 코드 진행이 완성되면, 다음은 밴드 어레인지다. "어레인지"란 곡의 뼈대에 각 파트의 연주를 살을 붙이는 작업을 말한다. 여기서의 포인트는 모두가 같은 것을 연주하지 않는 것이다.
각 파트의 역할
| 파트 | 주요 역할 | 어레인지 포인트 |
|---|---|---|
| 드럼 | 리듬의 토대, 곡의 전개를 지배 | A멜로와 사비에서 패턴을 바꾼다. 필인으로 전개를 나타낸다 |
| 베이스 | 리듬과 코드의 가교, 그루브의 핵심 | 코드의 루트음을 중심으로. 움직임이 과하지 않음. 드럼 킥과 함께 |
| 기타 (백킹) | 코드감의 제시, 리듬의 보강 | 베이스와 음역대가 겹치지 않게. 스트로크와 알페지오를 구분해서 사용 |
| 기타 (리드) | 멜로디의 장식, 솔로, 오블리가토 | 보컬의 틈을 채운다. 노래하는 동안에는 자제함 |
| 키보드 | 하모니의 두께, 분위기 조성 | 기타와 음역대를 나눈다. 패드 계열인지 리듬 계열인지 역할 결정 |
| 보컬 | 멜로디의 주인공, 가사의 표현 | 멜로디라인에 무리가 없는 음역대 설정. 코러스 파트도 정해두기 |
어레인지 순서 (5 스텝)
밴드 어레인지는 다음 순서로 진행하면 수월하다.
- 곡의 구성을 정한다 — 인트로 → A멜로 → B멜로 → 사비 → 간주 → … 의 흐름을 전원이 공유한다. 화이트보드에 써서 시각적으로 이해하기 쉽게 한다
- 드럼과 베이스로 리듬의 토대를 만든다 — 먼저 리듬 파트만 맞춘다. 템포, 박자, 기본 패턴을 확정한다
- 코드 악기를 더한다 — 기타 또는 키보드로 코드를 연주한다. 이 단계에서는 간단하게
- 보컬의 멜로디를 맞춘다 — 노래 멜로디와 연주의 밸런스를 확인한다. 음정이 맞지 않으면 여기서 조정
- 장식을 더한다 — 기타 솔로, 오블리가토, 인트로 프레이즈, 엔딩 등. 마지막에 맛을 낸다
중요한 것은 뺄셈의 발상이다. 모두가 계속 풀로 연주하면 음이 겹쳐서 곡을 듣기 어려워진다. A멜로는 기타만, 사비에서 모두 들어온다, 간주에서는 드럼이 빠진다 — 이런 "절제"가 어레인지의 질을 결정한다. 음악성의 차이로 싸우지 않는 방법에서도 언급했지만, 각 파트의 역할 분담은 사전에 충분히 논의해 두는 것이 중요하다.
가사 쓰는 방법의 기본
작곡과 동시에, 또는 곡이 먼저 만들어지고 나서 가사를 쓸 수도 있다. 가사 작법에는 정답이 없지만 다음의 포인트를 押える면 쓰기가 쉬워진다.
1. 사비부터 쓴다
곡 중에서 가장 전하고 싶은 메시지가 사비에 있다. "이 곡으로 뭘 말하고 싶은가"를 한 마디로 표현할 수 있는 프레이즈를 사비에 놓고, 거기서 역산해서 A멜로·B멜로를 구성한다. 프로 작사가들도 많이 이 방법을 채택하고 있다.
2. 테마를 하나로 정한다
한 곡에 여러 테마를 집어넣으면 산만해진다. "실연" "여름 추억" "도전" 등 테마는 하나로 정한다. 테마가 정해지면 거기서 연상되는 키워드를 10~20개 써본다. 이 키워드 리스트가 가사의 소재가 된다.
3. 운을 의식한다
모음을 맞추는 "운"을 맞추면 가사에 리듬감이 생기고 노래 부르기가 쉬워진다. 예를 들어 "달려간다" (hashiridasu)와 "찾아낸다" (mitsukedasu)는 모음이 맞는다. 일본어의 경우 행미의 모음을 맞추는 것만으로도 인상이 크게 달라진다.
4. 멜로디에 맞춰서 글자 수를 조정한다
먼저 멜로디가 있는 경우 음표 개수에 맞춰서 가사의 글자 수를 조정할 필요가 있다. 1음에 1글자가 기본이지만, 16분음표에 단어를 집어넣거나 1음을 길게 사용하거나 하면서 멜로디와 가사의 피트감을 찾아간다. 실제로 부르면서 "입이 안 돈다"는 부분은 수정한다.
데모 음원의 만드는 방법 — 아이디어를 형태로 만들어 공유하기
오리지널 곡의 아이디어를 멤버들에게 전하는 가장 확실한 방법은 데모 음원을 만드는 것이다. "이런 느낌의 곡"이라고 입으로 설명하는 것보다 30초의 데모를 들려주는 게 이미지 전달이 100배 낫다.
스텝 1: 스마트폰으로 한 발에
가장 간단한 방법이다. 기타나 키보드로 탄음 가사를 하면서 스마트폰의 음성 메모로 녹음한다. 음질은 신경 쓸 필요 없다. 곡의 분위기와 멜로디의 방향이 전해지면 데모로는 충분하다.
스텝 2: DAW로 간단한 트랙 만들기
GarageBand나 BandLab에서 드럼의 루프 소재 위에 기타나 베이스를 더한다. 각 파트의 이미지를 구체적으로 전하고 싶은 경우 이쪽을 추천한다. DAW 조작에 익숙하지 않아도 루프 소재를 타임라인에 늘어놓기만 하면 "곡 같은" 데모가 만들어진다.
스텝 3: 멤버에게 공유하기
데모 음원은 LINE 그룹이나 클라우드 스토리지(Google Drive 등)에서 공유한다. BandLab이면 프로젝트 URL을 보내기만 하면 멤버가 브라우저에서 재생·편집할 수 있다. 공유할 때는 다음 정보도 함께 적어두면 좋다.
- 템포 (BPM)
- 키
- 코드 진행 (텍스트로 써낸)
- 곡의 구성 (A멜로 → B멜로 → 사비 등)
- 각 파트에 대한 요청 (있으면)
데모 단계에서 완벽함을 추구할 필요는 없다. "이 방향은 어떨까?"라는 대화의 계기가 되면 된다. 연습 스튜디오 선택법을 참고해서 스튜디오를 예약하고 데모를 바탕으로 멤버 전원이 음을 맞추는 단계로 나아가자.
곡의 구성 패턴 — 먼저 정석 형태부터
"곡의 전개를 어떻게 할까"로 고민하는 사람이 많다. 처음에는 정석의 구성 패턴에 맞춰서 만들고, 익숙해지면 어레인지를 더하는 것을 추천한다.
| 구성 패턴 | 내용 | 어울리는 장르 |
|---|---|---|
| A-B-사비형 | 인트로 → A → B → 사비 → A → B → 사비 → 솔로 → 사비 → 아웃트로 | J-POP, 팝록 |
| Verse-Chorus형 | 인트로 → Verse → Chorus → Verse → Chorus → Bridge → Chorus → 아웃트로 | 구미 록, 펑크 |
| AAB형 | A → A → B (사비)의 반복. B멜로 없음 | 블루스, 포크, 간단한 록 |
| 루프형 | 같은 코드 진행을 반복하고 어레인지로 변화를 주는 방식 | 펑크, 힙합, 일렉트로 |
J-POP이나 팝록이면 "A-B-사비형"이 왕도다. 먼저 이 형태에서 사비를 가장 고조되는 포인트로 설정하고, A멜로에서 B멜로로의 "도움닫기"를 의식해서 구성을 짜자.
구성이 정해지면 각 섹션의 마디 수도 정해두자. 일반적으로는 A멜로 8마디, B멜로 8마디, 사비 8~16마디가 밸런스가 좋다. 밴드가 처음 맞추는 곡의 선택 방법에서 분석했던 기존 곡을 참고해서 구성을 연구하는 것도 효과적이다.
오리지널 곡 제작에서 흔한 실수와 대책
처음 오리지널 곡을 만들 때 많은 밴드가 비슷한 벽에 부딪힌다. 미리 알아두면 피할 수 있는 "あるある"를 정리했다.
실수 1: 모두가 동시에 처음부터 만들려고 한다
문제: 스튜디오에 모여서 "자, 곡을 만들자"고 시작하는데 아무도 아무것도 준비해 오지 않았다. 스튜디오 요금만 나간다.
대책: 누군가 1명이 데모 음원이나 코드 진행의 뼈대를 가져온다. 스튜디오에서 처음부터 만드는 게 아니라 "드래프트"를 바탕으로 전원이 다듬어 나가는 흐름으로. 스튜디오 요금은 밴드 활동에 드는 돈 중에서도 큰 비중을 차지한다. 효과적으로 사용하자.
실수 2: 완벽함을 추구하느라 1곡도 완성하지 못한다
문제: "사비의 멜로디가 맘에 안 든다" "B멜로의 코드가 뭔가 이상하다"면서 계속 수정하다 반년이 지나도 1곡도 완성하지 못한다.
대책: 먼저 "60% 정도 완성도"로 1곡을 처음부터 끝까지 연주한다. 처음부터 아웃트로까지 연주할 수 있는 상태로 만든 후 세부사항을 다듬자. 완벽한 1곡보다 완성된 3곡이 밴드의 성장에 훨씬 도움이 된다.
실수 3: 작곡자 외의 멤버들이 수동적으로 된다
문제: 1명이 곡을 가져와서 다른 멤버들은 "말한 대로 연주"하기만 한다. 작곡자의 부담이 크고, 밴드 전체의 일체감도 떨어진다.
대책: 데모 음원 단계에서는 뼈대만 만들고, 각 파트의 프레이즈는 멤버 각자에게 맡긴다. "베이스라인은 네가 생각해 와" 이렇게 하면 전원이 곡 만드는 데 참여할 수 있다.
실수 4: 인트로에 너무 집중한다
문제: 인트로 기타 프레이즈에 몇 주를 쏟고 정작 곡의 본체는 진척이 안 된다.
대책: 인트로는 마지막에 생각한다. 사비 → A멜로 → B멜로 순서로 곡의 핵심을 먼저 확정한 후 인트로와 아웃트로를 붙인다. 인트로는 사비의 멜로디를 인용하기만 해도 충분히 기능한다.
실수 5: 음정이 안 맞는 문제를 방치한다
문제: 기타리스트가 만든 곡의 음정이 너무 높아서 (또는 낮아서) 보컬이 부를 수 없다. 그대로 무리해서 부르기만 한다.
대책: 보컬의 음역대를 미리 파악해 두자. 음정 변경은 카포 타스트(기타)나 트랜스포즈 기능(키보드)으로 쉽게 대응할 수 있다. 곡의 완성도가 올라가기 전의 초반 단계에서 음정을 확정시키자.
오리지널 곡이 완성되면 — 다음 스텝
첫 번째 오리지널 곡이 완성되면 이제는 라이브 무대에 선 것을 목표로 한다. 라이브하우스에 출연하는 방법을 참고해서 먼저 오픈 마이크나 아마추어 부문 이벤트부터 시작하는 것을 추천한다.
라이브에서 오리지널 곡을 연주하면 관객의 반응으로부터 피드백을 받을 수 있다. "사비가 약하다" "간주가 길다" 이런 개선점이 보인다. 스튜디오 연습만으로는 알 수 없던 것이 라이브 현장에서 명백해진다.
또한 오리지널 곡이 3~4곡 정도 쌓이면 레코딩도 시야에 넣어보자. 요즘은 레코딩 스튜디오의 요금도 내려가고 있어서 연습 스튜디오 선택법에서 소개한 대형 체인점에서도 레코딩 서비스를 제공하고 있다. 음원이 있으면 SNS나 스트리밍 서비스에서의 발신도 가능해진다.
초보자가 밴드에 들어가기 완전 가이드부터 시작해서 커버곡 밴드로 실력을 쌓고 오리지널 곡을 만들고 라이브를 한다. 이 스텝을 거치면 밴드 활동은 확실히 다음 레벨로 올라간다.
Membo에서 오리지널 곡을 함께 만들 멤버를 찾아보자
오리지널 곡을 만들려면 같은 꿈을 가진 멤버가 필요하다. Membo에서는 "오리지널 지향" "작곡 가능한 사람 환영" 같은 조건으로 멤버를 찾을 수 있다. 8개 언어 대응의 실시간 번역 채팅으로 외국인 뮤지션과도 편하게 소통이 가능하다.
커버곡 밴드 다음에 있는 "자신들만의 음악". 그 첫 걸음은 함께 곡을 만들 파트너를 찾는 것부터 시작된다.
자주 묻는 질문 (FAQ)
Q. 음악 이론을 몰라도 오리지널 곡을 만들 수 있나요?
네, 만들 수 있습니다. 이 글에서 소개한 정석 코드 진행(왕도 진행이나 칸논 진행)을 사용하면 이론 지식 없이도 곡의 뼈대를 짤 수 있습니다. 콧노래로 멜로디를 만들고 코드를 칠 수 있는 멤버에게 반주를 붙여달라는 방법도 있습니다. 먼저 "완성시키는 것"을 우선하고 이론은 곡 만드는 과정 속에서 조금씩 배우면 충분합니다.
Q. 작곡은 1명이 하는 게 좋을까요, 아니면 모두가 함께?
둘 다 상관없지만 효율적인 것은 "1명이 데모를 만들고 모두가 어레인지하는" 방식입니다. 스튜디오에서 처음부터 모두가 동시에 만들려고 하면 시간이 오래 걸리는 경향이 있습니다. 뼈대를 만드는 사람과 각 파트 프레이즈를 생각하는 사람으로 역할을 나누면 수월하게 진행됩니다.
Q. DAW는 유료 것을 사야 할까요?
처음에는 무료로 충분합니다. GarageBand(Mac/iOS)나 BandLab(전 OS 대응)은 무료이면서도 데모 제작에 필요한 기능이 모두 갖춰져 있습니다. 본격적인 레코딩이나 믹싱을 할 때 Logic Pro나 Cubase 같은 유료 DAW를 고려하세요.
Q. 오리지널 곡을 만드는 데 얼마나 시간이 걸리나요?
밴드의 경험과 만날 수 있는 빈도에 따라 다르지만 첫 곡은 1~3개월이 목안입니다. 주 1회 스튜디오 연습에서 30분씩 곡 만드는 시간을 쓴다면 4~8회 세션에서 형태가 갖춰집니다. 완벽함을 추구하지 말고 "일단 1곡 완성"을 목표로 하세요.
Q. 코드 진행을 그대로 사용해도 저작권 문제가 없나요?
코드 진행 자체에는 저작권이 없습니다. 같은 코드 진행을 써도 멜로디나 가사, 어레인지가 다르면 다른 곡으로 인정됩니다. 왕도 진행이나 칸논 진행은 셀 수 없을 정도로 많은 곡에서 사용되고 있지만 법적 문제는 전혀 없습니다. 다만 기존 곡의 멜로디를 그대로 사용하는 것은 저작권 침해가 되니 주의하세요.
