커버곡 밴드로 실력을 다진 후에는 오리지널 곡에 도전하고 싶어집니다.
좋아하는 밴드의 곡을 재현하는 즐거움은 특별하지만, "우리만의 음악"을 만들고 싶다는 욕구는 밴드를 계속하다 보면 자연스럽게 생겨납니다. 실제로 커버곡 밴드의 시작 방법을 거쳐 실력이 올라간 멤버들이 다음으로 목표하는 것은 오리지널 곡으로 하는 라이브입니다.
하지만 "작곡을 해본 적이 없다" "음악 이론을 모른다"는 불안감으로 첫 발을 내딛지 못하는 사람이 많습니다. 이 글에서는 작곡 경험이 전혀 없는 밴드도 실천할 수 있는 오리지널 곡의 만드는 방법을, 접근 방식 선택부터 밴드 편곡, 데모 음원 공유 방법까지 구체적으로 설명합니다.
밴드의 작곡이란 — 솔로 작곡과의 3가지 차이점
먼저 정의를 정리하겠습니다. 작곡이란 멜로디·코드·리듬(이 3가지 요소)을 조합하여 새로운 음악을 만드는 행위입니다. 피아노나 기타로 콧노래에 반주를 붙이는 것도 작곡이고, DAW에서 루프를 조합하는 것도 작곡입니다. 도구와 순서는 다르지만 하는 일의 핵심은 같습니다.
그럼 밴드에서의 오리지널 곡 제작은 혼자 하는 솔로 작곡과 무엇이 다를까요? 크게 3가지가 있습니다.
| 관점 | 솔로 작곡 | 밴드 작곡 |
|---|---|---|
| 완성까지의 과정 | 1명의 머리 속에서 완결. 영감 중심 | 골격을 만든 후 멤버와 함께 살을 붙이는 공동 작업 |
| 편곡의 자유도 | DAW에서 모든 파트를 입력하면 뭐든 가능 | 각 멤버의 연주력·선호도에 맞춰 조정이 필요 |
| 완성 후의 강점 | 녹음하면 완성 | 라이브에서 다시 태어난다·멤버의 아이디어로 진화한다 |
밴드 작곡의 묘미는 "내가 만든 골격이 멤버들의 손으로 예상을 뛰어넘는 형태로 완성된다"는 것입니다. 초기의 데모와 완성형이 완전히 다른 것이 되는 것도 드물지 않습니다. 이것은 솔로에서는 맛볼 수 없습니다.
역으로 말하면, 밴드에서 만드는 이상 처음부터 완벽한 완성형을 목표로 할 필요는 없습니다. 골격(멜로디와 코드 진행)이 있으면, 나머지는 함께 음을 내면서 만들어갈 수 있습니다. 이제부터 설명할 3가지 접근 방식은 모두 "골격을 만드는 방법"의 변형입니다.
오리지널 곡을 만드는 3가지 접근 방식
작곡에는 크게 3가지 접근 방식이 있습니다. 어느 것이 정답이라는 것은 없으며, 멤버의 강점이나 밴드의 스타일에 맞춰 선택하면 됩니다.
| 접근 방식 | 개요 | 적합한 밴드 | 난이도 |
|---|---|---|---|
| 멜로디 선행 | 콧노래나 보컬의 멜로디에서 곡을 구성한다 | 보컬이 작곡을 주도하는 밴드, 노래 지향 | ★★☆☆☆ |
| 코드 선행 | 코드 진행을 먼저 정하고 그 위에 멜로디를 올린다 | 기타리스트·키보드 연주자가 중심인 밴드 | ★★★☆☆ |
| 리프·그루브 선행 | 기타 리프나 베이스 라인, 드럼 패턴에서 전개한다 | 락·펑크계, 세션에서 곡을 만드는 밴드 | ★★★★☆ |
멜로디 선행 — 노래에서 시작하는 가장 간단한 방법
스마트폰의 녹음 앱에 콧노래를 녹음하기만 해도 시작할 수 있습니다. 통근 중이나 목욕할 때 떠오른 멜로디를 놓치지 않고 기록해두세요. 코드나 악기에 대한 지식이 없어도 "이런 느낌의 곡으로 만들고 싶다"는 이미지를 멤버에게 전달하면, 코드를 붙일 수 있는 멤버가 편곡해줍니다.
주의할 점은 콧노래만으로는 키가 불안정해지기 쉽다는 것입니다. 녹음할 때는 가능하면 기타나 피아노로 간단한 반주를 붙여두면 멤버와의 공유가 더 수월합니다.
코드 선행 — 이론을 활용하는 왕도의 방법
후에 설명할 "정석 코드 진행"을 사용해 먼저 4~8마디의 코드 진행을 만듭니다. 그 위에 탄주처럼 멜로디를 올립니다. J-POP이나 팝락은 이 방법으로 만들어진 곡이 많습니다.
코드를 알고 있는 사람이 기타나 키보드로 연주하고, 보컬이 "이런 느낌"이라며 멜로디를 맞춥니다. 밴드 연습 진행 방법에서 설명한 섹션 연습 방식으로 사비부터 먼저 고정하고 A메로·B메로를 나중에 추가하는 것도 효과적입니다.
리프·그루브 선행 — 세션에서 곡을 만들다
기타 리프나 베이스 라인을 시작점으로 곡을 구성하는 방법입니다. Deep Purple의 "Smoke on the Water"나 The Rolling Stones의 "(I Can't Get No) Satisfaction"은 기타 리프에서 탄생한 명곡입니다.
스튜디오에서 잼 세션을 하면서 "지금 그 리프 좋네" "여기에 이 리듬을 맞춰보자"고 발전시켜갑니다. 자유도가 높은 반면 수습이 어려워질 수 있으므로, 녹음해두고 나중에 좋은 부분을 꺼내는 방법을 추천합니다.
3가지 접근 방식 외의 대체 수법 — 막혔을 때의 선택지
위의 3가지 접근 방식(멜로디 선행·코드 선행·리프 선행)은 모두 "멜로디나 코드를 처음부터 만드는" 방법입니다. 하지만 처음부터 만드는 것에 지쳤거나 아이디어가 나오지 않을 때는 다음의 대체 수법이 효과적입니다.
| 대체 수법 | 내용 | 적합한 경우 |
|---|---|---|
| 잼 세션에서 탄생하다 | 스튜디오에서 모두가 자유롭게 음을 내고, 우연히 만들어진 좋은 프레이즈를 기록해 구성한다 | 리프 선행의 확장. 영감형 밴드 |
| 기존 곡의 리하모니제이션 | 좋아하는 곡의 멜로디에 다른 코드 진행을 붙여 신곡화한다. 완성된 곡은 멜로디도 바꿔 오리지널화 | 코드 이론을 배우고 싶은 중급자 |
| 루프 음원을 시작점으로 하다 | BandLab이나 Splice 등의 루프 소재를 DAW에 배열하고, 그것을 바탕으로 생연주를 덮어씌운다 | DTM식 작곡을 시도하고 싶은 밴드 |
| AI 작곡 도구를 초안으로 사용하다 | Suno·Udio 등의 AI 작곡 도구로 형식을 출력해 아이디어의 씨앗이나 구성의 참고로 사용 (그대로 사용하지 않음) | 2024년 이후의 새로운 작곡 수법. 발상의 계기 만들기 |
| 가사 선행(키워드에서 만들기) | 먼저 전달하고 싶은 테마나 가사 프레이즈를 정하고, 그에 맞는 멜로디·코드를 만든다 | 말의 표현을 중요하게 여기는 밴드 |
| 커버곡에서 파생시키다 | 좋아하는 곡의 커버 연습→편곡을 바꾼다→오리지널처럼 만든다→최종적으로 모든 파트를 바꿔 완전 오리지널화 | 완전히 처음부터 시작하는 게 무서운 초보자 |
어떤 수법도 "정식 처음부터의 작곡"보다 들어가기 쉽습니다. 특히 AI 작곡 도구는 2024년 이후 빠르게 진화하고 있으며, "형식 작성의 시간 단축"이라는 측면에서는 편리합니다. 하지만 AI가 만든 곡을 그대로 사용하면 저작권이나 오리지널성 문제가 발생하므로, 어디까지나 "발상의 씨앗"으로 사용하고 최종적으로는 자신들의 손으로 재작성하는 것이 중요합니다.
잼 세션에서 곡을 만드는 방법에 대해서는 잼 세션의 시작 방법도 함께 참고해주세요.
코드 진행의 기초 지식 — 정석 5가지 패턴을 배워보세요
"코드 진행을 모른다"는 사람은 먼저 다음 5가지 정석 패턴만 외우면 충분합니다. J-POP, 락, 블루스의 대부분은 이들 패턴이나 그 변형으로 만들어져 있습니다.
| 이름 | 진행(Key=C) | 대표곡의 예 | 분위기 |
|---|---|---|---|
| 카논 진행 | C → G → Am → Em → F → C → F → G | 파헬벨 "카논", 클래식~팝스까지 폭넓다 | 아름답고 웅장함, 감동적 |
| 왕도 진행(4536) | F → G → Em → Am | YOASOBI "밤에 달린다", Spitz "체리" 등 다수 | 애절함과 힘찬 느낌의 공존 |
| 소무로 진행 | Am → F → G → C | 소무로 테츠야 프로듀싱 곡, globe "DEPARTURES" | 질주감, 캐치한 느낌 |
| Just the Two of Us 진행 | FM7 → E7 → Am7 → Gm7 → C7 | Grover Washington Jr. "Just the Two of Us", 시티팝 전반 | 세련됨, 도시적 |
| 블루스 12마디 | C7×4 → F7×2 → C7×2 → G7 → F7 → C7 → G7 | 블루스·락 전반, The Beatles "Birthday" | 투박함, 그루브감 |
처음에는 "왕도 진행"이나 "카논 진행"을 추천합니다. 둘 다 멜로디가 올리기 쉽고 사비에 사용하면 자연스럽게 고조됩니다. 코드 진행 자체에는 저작권이 없으므로 기존 진행을 그대로 사용해도 법적 문제는 없습니다.
이들 진행을 기타나 키보드로 반복해서 연주하면서 콧노래로 멜로디를 찾아갑니다. "좋은 느낌"이라고 생각되면 바로 녹음합니다. 그것의 반복이 작곡의 기본입니다.
J-POP의 코드 진행 사용률 — 히트곡 데이터에서 보이는 경향
음악 이론 사이트나 곡 분석에서 J-POP 히트곡에 특정 코드 진행이 집중되어 있다는 점이 지적됩니다. 가사넷, UtaTen, 각종 음악 이론 해설서의 분석을 정리하면 다음의 경향이 보입니다.
| 진행 이름 | J-POP에서의 사용 경향 | 대표곡(일부) |
|---|---|---|
| 왕도 진행 (F→G→Em→Am / IV-V-iii-vi) | 사비에서 최다 사용. 발라드~락 가리지 않고 빈번함 | Spitz "체리", Mr.Children "HANABI", Official髭男dism "Pretender" |
| 카논 진행 (C→G→Am→Em→F→C→F→G) | 발라드·졸업 노래의 왕도. 안정적인 전개력 | 야마구치 모모에 "코스모스", 야마시타 타츠로 "크리스마스 이브", 코부쿠로 "벚꽃" |
| 소무로 진행 (Am→F→G→C / vi-IV-V-I) | 90년대 이후 J-POP 댄스 튠의 정석 | globe "FACES PLACES", TRF "BOY MEETS GIRL", 많은 애니송 |
| Just the Two of Us 진행 (FM7→E7→Am7→C7) | 시티팝·AOR계. 세련된 부유감 | 마츠바라 미키 "한밤중의 문", 타케우치 마리야 "플라스틱 러브" |
| 블루스 12마디 | 락·블루스·잼 세션에 필수 | B.B. King 각 곡, Elvis "Hound Dog", 많은 잼 스탠더드 |
주목할 점은 J-POP의 히트곡이 수백 곡 단위로 같은 코드 진행을 반복하고 있다는 것입니다. 코드 진행 자체에는 저작권이 없으므로 사용하는 것 자체에는 아무 문제가 없습니다. 오히려 "같은 진행도 멜로디와 편곡으로 완전히 다른 곡이 된다"는 것을 이해하면 초보자도 히트곡과 같은 무대에서 경쟁할 수 있습니다.
출처 예: 가사넷(uta-net.com), UtaTen(utaten.com)의 곡 분석, 음악 이론 해설서 각종.
작곡에 사용할 수 있는 도구 — 무료로도 충분히 시작할 수 있습니다
작곡이나 데모 제작에 사용할 수 있는 도구(DAW: Digital Audio Workstation)는 무료부터 본격적인 유료 소프트웨어까지 폭넓습니다. 밴드의 오리지널 곡 제작에서는 비싼 소프트웨어를 갖출 필요가 없습니다. 먼저 무료 도구로 시작해 필요에 따라 단계적으로 업그레이드하면 됩니다.
| 도구 이름 | 가격 | 대응 OS | 특징 | 추천 대상 |
|---|---|---|---|---|
| GarageBand | 무료 | Mac / iOS | Apple 제작. 직관적인 조작, 루프 소재가 풍부 | iPhone/Mac 사용자, 작곡 완전 초보자 |
| BandLab | 무료 | Web / iOS / Android | 브라우저에서 작동, 멤버와 실시간 공동 편집 가능 | OS 상관없이 사용하고 싶은 사람, 밴드 멤버와 공유 중시 |
| Cakewalk Sonar(Free 버전) | 무료 | Windows | 구 Cakewalk by BandLab의 후속. 트랙 무제한·64bit 처리 대응 | Windows 사용자, 본격적으로 하고 싶은 사람 |
| Studio One Free | 무료 | Win / Mac | 트랙 무제한. 다만 VST/AU 플러그인 미대응 | 향후의 단계적 발전을 고려하는 사람 |
| Logic Pro | 약 30,000원 | Mac | GarageBand의 상위 버전. 프로 제작 현장에서 정석 | Mac에서 본격 제작을 하고 싶은 사람 |
| Cubase(Elements) | 약 13,200원 | Win / Mac | MIDI 편집이 강력. 일본의 프로 사용률이 높다 | MIDI 입력 중심의 작곡을 하고 싶은 사람 |
밴드의 작곡에 있어 DAW에 요구되는 것은 "데모 음원을 쉽게 만들 수 있다"는 것입니다. 최종적인 레코딩은 스튜디오에서 하더라도, 아이디어 단계에서는 스마트폰 1대만으로도 충분합니다.
특히 BandLab은 모든 멤버가 브라우저에서 접속해 공동 편집할 수 있다는 점에서 밴드의 작곡 프로세스와 잘 맞습니다. "기타리스트가 리프를 녹음→베이시스트가 베이스 라인을 추가→보컬이 멜로디를 덮어씌운다"는 흐름이 온라인으로 완결됩니다.
유료 DAW의 사용자 평가 경향 — 선택할 때의 참고
Logic Pro·Cubase·Studio Pro 등의 유료 DAW는 각각 애호가 커뮤니티가 있으며, Amazon 리뷰나 음악 제작 포럼에서 경향이 보입니다. 다음은 일반적으로 많이 언급되는 사용자 평가를 정리한 것입니다.
| DAW | 호평되는 점 | 주의할 점 |
|---|---|---|
| Logic Pro (Apple) | Mac 표준 품질. 부속 음원·루프가 압도적으로 많다. 작동 안정. 1회 구매로 업데이트도 무료 | Mac만 지원. Windows 사용자는 선택지 없음 |
| Cubase Elements/Artist/Pro (Steinberg) | 프로 현장에서의 채택률 No.1. MIDI 편집의 정밀도가 높다. Windows/Mac 양쪽 대응 | UI가 다소 오래되고 학습 비용이 높다. Pro 버전은 고가 |
| Studio One Pro (PreSonus) | 드래그&앤드롭 조작이 직관적. 초보자에 친절. 처리가 가볍다 | 번들 음원은 Logic Pro보다 적음 |
| Ableton Live (Ableton) | 라이브 퍼포먼스와 작곡의 양립이 최강. 루프 중심의 제작에 최적 | 기존형의 "트랙 녹음"식 작곡에서는 사용하기 어려운 부분이 있다 |
| Pro Tools (Avid) | 프로 스튜디오의 업계 표준. 믹스·마스터링에서의 신뢰성 | 작곡보다는 믹스 지향. 서브스크립션으로 장기적으로는 고비용 |
사용자 평가에서 공통점은 "어떤 DAW든 기능적으로는 충분할 정도로 갖춰져 있고, 결정 요소는 '자신의 작업 스타일에 맞는 UI인지'"라는 점입니다. 무료 버전이나 트라이얼로 만져본 후 본격 구매하는 것이 확실합니다. Mac 소유자라면 Logic Pro(21,800원의 일괄 구매)의 가성비가 No.1이라고 평가받는 경우가 많습니다.
밴드 편곡의 기본 — 각 파트의 역할을 이해하기
멜로디와 코드 진행이 완성되면, 다음은 밴드 편곡입니다. "편곡"이란 곡의 뼈대에 각 파트의 연주를 살을 붙이는 작업을 말합니다. 여기서의 포인트는 모두가 같은 것을 연주하지 않는다는 것입니다.
각 파트의 역할
| 파트 | 주된 역할 | 편곡의 포인트 |
|---|---|---|
| 드럼 | 리듬의 토대, 곡의 전개를 지배 | A메로와 사비에서 패턴을 바꾼다. 필인으로 전개를 나타낸다 |
| 베이스 | 리듬과 코드의 다리, 그루브의 핵심 | 코드의 루트음을 중심으로. 움직임이 적당히. 드럼의 킥과 맞춘다 |
| 기타(백킹) | 코드감의 제시, 리듬의 보강 | 베이스와 음역을 겹치지 않게 한다. 스트로크와 아르페지오를 사용해 구분한다 |
| 기타(리드) | 멜로디의 장식, 솔로, 오블리가토 | 보컬의 틈을 채운다. 노래하고 있을 때는 절제한다 |
| 키보드 | 하모니의 두께, 분위기 조성 | 기타와 음역을 나눈다. 패드계인지 리듬계인지 역할을 정한다 |
| 보컬 | 멜로디의 주역, 가사의 표현 | 멜로디 라인에 무리 없는 음역 설정. 코러스 파트도 정한다 |
편곡의 순서(5단계)
밴드 편곡은 다음 순서로 진행하면 수월합니다.
- 곡의 구성을 정한다 — 인트로→A메로→B메로→사비→간주→…의 흐름을 모두가 공유한다. 화이트보드에 써두면 시각적으로 알기 쉽다
- 드럼과 베이스로 리듬의 토대를 만든다 — 먼저 리듬 섹션끼리 맞춘다. 템포, 박자, 기본 패턴을 고정한다
- 코드 악기를 올린다 — 기타나 키보드로 코드를 연주한다. 이 단계에서는 간단하게
- 보컬의 멜로디를 맞춘다 — 노래 멜로디와 연주의 밸런스를 확인한다. 키가 맞지 않으면 여기서 조정
- 장식을 더한다 — 기타 솔로, 오블리가토, 인트로의 프레이즈, 엔딩 등. 마지막에 맛을 내린다
중요한 것은 뺄셈의 발상입니다. 모두가 항상 풀로 연주하면 소리가 부딪혀 곡이 듣기 어려워집니다. A메로는 기타만, 사비에서 모두 들어온다, 간주에서는 드럼이 빠진다—그런 "빼기"가 편곡의 품질을 결정합니다. 음악성의 차이로 싸우지 않는 방법에서도 언급했지만, 각 파트의 역할 분담은 사전에 충분히 이야기하는 것이 중요합니다.
가사의 쓰기 기본
작곡과 동시에, 또는 곡이 먼저 완성되고 나서 가사를 쓰는 경우도 있습니다. 가사의 쓰기에 정답은 없지만, 다음의 포인트를 누르면 쓰기 쉬워집니다.
1. 사비부터 쓴다
곡 중에서 가장 전달하고 싶은 메시지가 사비에 있습니다. "이 곡에서 무엇을 말하고 싶은가"를 한 마디로 말할 수 있는 프레이즈를 사비에 놓고, 거기서 역산해 A메로·B메로를 구성합니다. 프로의 작사가도 많이 이 방법을 채택합니다.
2. 테마를 1개로 좁힌다
1곡에 복수의 테마를 집어넣으면 산만해집니다. "실연" "여름의 추억" "도전" 등 테마는 1개로 좁힙니다. 테마가 정해지면, 그 테마에서 떠오르는 키워드를 10~20개 써냅니다. 이 키워드 리스트가 가사의 소재가 됩니다.
3. 운을 의식한다
모음을 맞추는 "운"을 지으면 가사에 리듬감이 생기고 부르기 쉬워집니다. 예를 들어 "hashiridasu(달려나간다)"와 "mitsukedasu(찾아낸다)"는 모음이 맞아 있습니다. 일본어의 경우 행 끝의 모음을 맞추는 것만으로도 인상이 상당히 달라집니다.
4. 멜로디에 맞춰 글자 수를 조정한다
먼저 멜로디가 있는 경우, 음표의 수에 맞춰 가사의 글자 수를 조정할 필요가 있습니다. 1음에 1글자가 기본이지만, 16분음표에 말을 때려 맞추거나, 1음을 늘려 사용하거나 하며 멜로디와 가사의 핏감을 찾아갑니다. 실제로 부르며 "입이 안 돌아가는" 부분은 수정합니다.
데모 음원의 만드는 방법 — 아이디어를 형태로 만들어 공유하다
오리지널 곡의 아이디어를 멤버에게 전하는 가장 확실한 방법은 데모 음원을 만드는 것입니다. "이런 느낌의 곡"이라고 말로 설명하는 것보다 30초의 데모를 들려주는 쪽이 이미지가 100배 더 전해집니다.
스텝 1: 스마트폰으로 한 번에 녹음
가장 간단한 방법입니다. 기타나 키보드로 탄주하면서 스마트폰의 음성 메모로 녹음합니다. 음질은 신경 쓰지 않아도 됩니다. 곡의 분위기와 멜로디의 방향성이 전해지면 데모로는 충분합니다.
스텝 2: DAW로 간단한 트랙 만들기
GarageBand나 BandLab에서 드럼의 루프 소재 위에 기타나 베이스를 덮어씌웁니다. 각 파트의 이미지를 구체적으로 전달하고 싶을 때는 이쪽을 추천합니다. DAW의 조작에 익숙하지 않아도 루프 소재를 타임라인에 배열하기만 하면 "곡처럼" 들리는 데모가 만들어집니다.
스텝 3: 멤버에게 공유한다
데모 음원은 LINE 그룹이나 클라우드 스토리지(Google Drive 등)로 공유합니다. BandLab이라면 프로젝트의 URL을 보내기만 하면 멤버들이 브라우저에서 재생·편집할 수 있습니다. 공유할 때는 다음의 정보도 덧붙이면 친절합니다.
- 템포(BPM)
- 키
- 코드 진행(텍스트로 써낸다)
- 곡의 구성(A메로→B메로→사비 등)
- 각 파트로의 리퀘스트(있으면)
데모의 단계에서 완벽을 요구할 필요는 없습니다. "이 방향으로 어떨까?"라는 회화의 계기가 되면 그것으로 충분합니다. 연습 스튜디오의 선택 방법을 참고해 스튜디오를 예약하고, 데모를 바탕으로 멤버 모두가 음을 맞추는 단계로 나아가세요.
곡의 구성 패턴 — 먼저 정석의 형식부터
"곡의 전개를 어떻게 할 것인가"로 고민하는 사람이 많습니다. 처음에는 정석의 구성 패턴에 맞춰 만들고, 익숙해지면 편곡을 가하는 것을 추천합니다.
| 구성 패턴 | 내용 | 적합한 장르 |
|---|---|---|
| A-B-사비형 | 인트로→A→B→사비→A→B→사비→솔로→사비→아웃로 | J-POP, 팝락 |
| Verse-Chorus형 | 인트로→Verse→Chorus→Verse→Chorus→Bridge→Chorus→아웃로 | 서양 락, 펑크 |
| AAB형 | A→A→B(사비)의 반복. B메로 없음 | 블루스, 포크, 심플한 락 |
| 루프형 | 같은 코드 진행을 반복하고 편곡으로 변화를 준다 | 펑크, 힙합, 일렉트로 |
J-POP이나 팝락이라면 "A-B-사비형"이 왕도입니다. 먼저 이 형식으로 사비를 가장 고조되는 포인트에 설정하고, A메로에서 B메로로의 "조력"을 의식해 구성을 짜세요.
구성이 정해지면 각 섹션의 소절 수도 정해두세요. 일반적으로 A메로 8소절, B메로 8소절, 사비 8~16소절이 밸런스가 좋습니다. 밴드의 처음에 맞추는 곡의 선택 방법에서 분석한 기존 곡을 참고해 구성을 연구하는 것도 효과적입니다.
오리지널 곡 제작에서 자주 있는 실패와 대책
처음 오리지널 곡 제작에서는 많은 밴드가 비슷한 벽에 부딪힙니다. 미리 알면 피할 수 있는 "あるある"를 정리했습니다.
실패 1: 모두가 동시에 처음부터 만들려 한다
문제: 스튜디오에 모여 "자, 곡을 만들어보자"라고 시작하는데 아무도 뭔가를 가져오지 않았다. 2시간의 스튜디오 비용만 사라진다.
대책: 누군가 1명이 데모 음원이나 코드 진행의 골격을 가져온다. 처음부터 스튜디오에서 만드는 것이 아니라 "토대"를 바탕으로 모두가 다듬는 흐름으로 한다. 스튜디오 비용은 밴드 활동에 드는 돈 중에서도 큰 비율을 차지한다. 효과적으로 사용합시다.
실패 2: 완벽을 요구하며 1곡도 완성하지 못한다
문제: "사비의 멜로디가 마음에 들지 않는다" "B메로의 코드가 다른 것 같다"며 수정을 반복하다 보면 반년이 지나도 1곡도 완성되지 않는다.
대책: 먼저 "60%의 완성도"로 1곡을 끝까지 통한다. 인트로에서 아웃로까지 연주할 수 있는 상태로 만든 후 세부를 다진다. 완벽한 1곡보다 완성된 3곡이 밴드의 성장에 훨씬 도움이 됩니다.
실패 3: 작곡자 이외의 멤버가 수동적이 된다
문제: 1명이 곡을 가져와 다른 멤버는 "말한 대로 연주"할 뿐이다. 작곡자의 부담이 크고 밴드로서의 일체감도 얇아진다.
대책: 데모 음원 단계에서는 골격만 만들고 각 파트의 프레이즈는 멤버들 자신에게 맡긴다. "베이스 라인은 맡길 테니 생각해와"라고 진행하면 모두가 곡 만들기에 참여할 수 있습니다.
실패 4: 인트로에 집착한다
문제: 인트로의 기타 프레이즈에 몇 주를 들여 정작 곡 본체가 진행되지 않는다.
대책: 인트로는 마지막에 생각한다. 사비→A메로→B메로 순서로 곡의 핵심을 먼저 고정하고, 그 후 인트로와 아웃로를 붙인다. 인트로는 사비의 멜로디를 인용하기만 해도 충분히 기능합니다.
실패 5: 키가 맞지 않는 문제를 방치한다
문제: 기타리스트가 만든 곡의 키가 너무 높아서(또는 낮아서) 보컬이 부를 수 없다. 그대로 무리해서 계속 부른다.
대책: 보컬의 음역을 미리 파악해둔다. 키의 변경은 카포타스트(기타)나 트랜스포즈 기능(키보드)으로 간단하게 대응할 수 있습니다. 곡의 완성도가 높아지기 전의 초기 단계에 키를 확정하세요.
오리지널 곡이 완성되면 — 다음 단계
1곡째의 오리지널 곡이 완성되면 라이브에서 선보이는 무대로 나아갑니다. 라이브하우스에 출연하는 방법을 참고해 먼저 오픈 마이크나 아마추어 틀의 이벤트부터 시작하는 것을 추천합니다.
라이브에서 오리지널 곡을 연주하면 관객의 반응에서 피드백을 얻습니다. "사비가 약하다" "간주가 길다"는 등의 개선점이 보입니다. 스튜디오의 연습만으로는 알 수 없는 것이 라이브에서 명확해집니다.
또한 오리지널 곡이 3~4곡 모이면 레코딩도 시야에 넣으세요. 최근에는 레코딩 스튜디오의 요금도 내려가고 있으며, 연습 스튜디오의 선택 방법에서 소개한 대형 체인점도 레코딩 서비스를 제공합니다. 음원이 있으면 SNS나 스트리밍 서비스에서의 발신도 가능해집니다.
초보자가 밴드에 들어가기 위한 완전 가이드에서 시작해 커버곡으로 실력을 다지고 오리지널 곡을 만들어 라이브에 선다. 이 단계를 밟으면 밴드 활동은 확실히 다음 레벨로 나아갑니다.
Membo에서 오리지널 곡을 함께 만들 수 있는 멤버를 찾아보세요
오리지널 곡을 만들고 싶다면 같은 뜻을 가진 멤버가 필요합니다. Membo에서는 "오리지널 지향" "작곡 가능한 사람 환영"이라는 조건으로 멤버를 찾을 수 있습니다. 8언어 대응의 실시간 번역 채팅으로 외국인 뮤지션과도 편하게 소통이 가능합니다.
커버곡 밴드 너머의 "우리만의 음악". 그 첫 걸음은 함께 곡을 만들 수 있는 동료를 찾는 것부터 시작됩니다.
자주 묻는 질문(FAQ)
Q. 음악 이론을 몰라도 오리지널 곡을 만들 수 있나요?
네, 만들 수 있습니다. 이 글에서 소개한 정석 코드 진행(왕도 진행이나 카논 진행)을 사용하면 이론 지식이 없어도 곡의 골격을 구성할 수 있습니다. 콧노래로 멜로디를 만들고 코드를 칠 수 있는 멤버에게 반주를 붙여달라고 하는 방법도 있습니다. 먼저 "완성시키는 것"을 우선시하고 이론은 곡 만들기를 계속하며 조금씩 몸에 익히면 충분합니다.
Q. 작곡은 1명이 해야 하나요? 아니면 모두가?
둘 다 괜찮지만 효율적인 것은 "1명이 데모를 만들고 모두가 편곡하는" 방법입니다. 처음부터 스튜디오에서 모두가 동시에 만들려 하면 시간이 오래 걸리기 쉽습니다. 골격을 만드는 사람과 각 파트의 프레이즈를 생각하는 사람으로 역할 분담하면 수월하게 진행됩니다.
Q. DAW는 유료 버전을 사야 하나요?
처음에는 무료로 충분합니다. GarageBand(Mac/iOS)나 BandLab(모든 OS 대응)은 무료여도 데모 제작에 필요한 기능이 갖춰져 있습니다. 본격적인 레코딩이나 믹싱을 하게 되면 Logic Pro나 Cubase 등의 유료 DAW를 검토하세요.
Q. 오리지널 곡을 만드는 데 얼마나 걸리나요?
밴드의 경험치나 모일 수 있는 빈도에 따르지만 처음 1곡은 1~3개월이 목안입니다. 주 1회 스튜디오 연습에서 매번 30분을 곡 만들기에 할애하면 4~8회의 세션으로 형태가 완성됩니다. 완벽을 요구하지 말고 "먼저 1곡 완성하기"를 목표로 하세요.
Q. 코드 진행을 그대로 사용해도 저작권 문제가 없나요?
코드 진행 자체에는 저작권이 없습니다. 같은 코드 진행을 사용하더라도 멜로디나 가사, 편곡이 다르면 별개의 곡으로 인정됩니다. 왕도 진행이나 카논 진행은 수없이 많은 곡에서 사용되고 있지만 법적인 문제는 전혀 없습니다. 다만 기존 곡의 멜로디를 그대로 사용하는 것은 저작권 침해가 되므로 주의하세요.
